1、龙笛：龙笛是一种传统横吹木管乐器，由竹子制成。
2、卡祖笛：卡祖笛属于管乐器中的气鸣乐器，是一种古老的乐器，常用于庆典或者特殊节日时的吹奏。
3、西塔尔琴：西塔尔琴是印度最具代表性的印度古典乐器，为木制长颈的琉特琴。
4、琵琶：琵琶是东亚传统弹拨乐器。最早被称为“琵琶”的乐器大约在中国秦朝出现。
5、古琴：又称瑶琴、玉琴、丝桐和七弦琴，是中国汉族传统拨弦乐器，有三千年以上历史，属于八音中的丝。古琴音域宽广，音色深沉，余音悠远。
6、编钟：编钟是中国古代汉族大型打击乐器，兴起于西周，盛于春秋战国直至秦汉。中国是制造和使用乐钟最早的国家。
而古典音乐乐器主要包括龙笛、卡祖笛、西塔尔琴、古琴、瑟、笛子、埙、缶、琵琶、二胡、古筝、筑、排箫、箜篌、编钟等。
1958年，英国利物浦青年约翰·列农（John Lennon，1940～1980，主唱兼节奏吉他）组织了一个乐队，参加这个乐队的有当地青年保罗·麦卡特尼（Paul McCartney，生于1942年，贝司兼主唱）、乔治·哈里森(George Harrison，1943～2001，主音吉他)和另外两位青年。乐队曾几经易名，开始起名为“甲壳虫”（Beetles），最后列农故意把Beetles拼作Beatles。1962年，另外两名青年先后离队，林格·斯塔尔（Ringo Starr，生于1940年，鼓手）加入其中，“披头士”的四名队员从此固定下来。1961年，利物普唱片公司的老板布莱恩·爱泼斯坦（Brian Epstein）发现了他们的巨大潜力，成了他们的经理人。首先，他所做的事情是包装“披头士”的外形：长头发、无领四扣的上衣、烟囱似的长裤子和矮靴子。1962年，EMI下属的“帕洛风”（Parlophone）唱片公司经理乔治·马丁（George Martin）与“披头士”签约，并与同年9月发行《爱我吧》（love me do，例23）和《附言：我爱你》（P．S．I love you）两首歌曲。1963年3月又推出一首《请让我愉快》（Please，Please me），引起了极大的轰动并登上了榜首。同年由“帕洛风”发行的其他歌曲如《从我到你》（from me to you）、《他爱你》（she loves you）、《我想握住你的手》（I want to hold your hand）接连获得第一。“披头士”因此而名声大振。11月，“披头士”被邀请在皇家综艺剧场参加演出，英王太后和玛格丽特公主都出席了现场。1964年，“披头士热”传到了美国，美国流行音乐排行榜差不多成了披头士的天下。大街小巷到处飘荡着披头士的声音。同年，他们的第一部**《辛劳之夜》（A hard day's night）放映，同样引起了轰动。影片的主题歌使“披头士”荣获当年格莱美最佳演唱小组奖。1965年6月，“披头士”还获得了英国女王伊丽莎白二世颁发的不列颠帝国勋章。
到此为止，主要是“披头士”的早期活动。从他们的歌曲中可以看到，早期的风格都比较简单、明快、无忧无虑，而且还便于舞蹈，在艺术上缺乏创新。
到了1965年末的时候，“披头士”已经取得了很少歌星能够取得的优越地位：不管他们演什么，听众都能接受。听众认为：“披头士总是对的。”因此，他们利用自己的有利地位大胆实验，摆脱流行音乐的老一套，从而对摇滚乐的发展做出贡献。正在这个时候，麦卡特尼和列农的不同个性开始显露出来。保罗·麦卡特尼是保守的、易动感情的，渴望给人快乐，愿意顺从习惯的；约翰·列农是反叛的、进攻性的，酷爱讽刺，擅长文学，而且在音乐上没有那么高的天分。
1965年，麦卡特尼完成了一首歌曲《昨天》（Yesterday，例24），并采纳乔治·马丁的建议，用弦乐四重奏形式来伴奏。很快这首歌就登上了排行榜榜首，而且据统计，至今它的翻唱版本已超过了2500多种，创历史之最。但是，列农并不喜欢这首温柔的抒情歌曲。接着，他们推出的三张专辑《橡胶灵魂》（Rubber Soul）、《昨天和今天》（Yesterday and Today）、和《左轮手枪》（Revolver），实验成分逐渐加大，表现了“披头士”已从早期在歌曲中大呼“耶、耶、耶”，开始过渡到艺术上追求专业技巧、力求更加精致的阶段。
《橡胶灵魂》 首先从封面上看就与前不同。“披头士”四个人的面孔都有点变形，这种多多少少的超现实手法暗示了后来被称作“迷幻摇滚”的音乐。专辑中包括了《单字》（The word）、《米歇尔》（Michelle）、《在我的生活中》（In my life）等歌曲，其中另一首歌曲《挪威的森林》（Norwegian wood）中运用了印度的西塔尔琴（Sitar）而独具特色。
第二张专辑《昨天和今天》仅在美国发行。其中《哪里都不去的人》（Nowhere man）的歌词受民谣摇滚的影响，显示了更多的社会评论的性质。
在第三张专辑《左轮手枪》中，《埃莉诺·里格比》（Eleanor Rigby）使用了弦乐八重奏形式，这种歌曲从很多方面预示了后来发表的《佩伯军士的孤心俱乐部乐队》的风格。通过这三张专辑的制作“披头士”积累了大量录音棚实验的经验，于1967年推出了他们最经典的一张专辑《佩伯军士的孤心俱乐部乐队》（Sergeant Pepper's lonely hearts club band）。这张专辑由“披头士”与管弦乐队合作，在制作人马丁的监制下用了四个月的时间制作而成。它不仅是“披头士”长时间艺术探索的鼎盛之作，同时在摇滚乐历史上也占有重要的地位。
《佩伯军士》是一套组歌，共12首歌曲。标题曲《佩伯军士》不仅是组歌的开始曲，也作为统一全曲的主题反复出现。这里的佩伯军士实际上就是代表“披头士”乐队自己，他们在一种迷幻音乐会的气氛中进行一系列的演唱。比如《缀满钻石的天空中的露西》（Lucy in the Sky with Diamond），歌名几个单词的开头字母LSD即明显暗示了此曲与麻醉药有关，歌词中又出现了各种迷幻景象，但是列农辩白说，这是从他4岁大的儿子的绘画中获得的灵感。音乐上每段节歌都是从三拍子转到四拍子的叠歌，在摇滚乐中是首次出现拍子的转换，这使歌曲不再具有通常摇滚乐的舞蹈性质。录音效果上运用了加大混响和正常人声的对比等等。《拥有你，失去你》（within you without you）则显得缺少规整，乐句长短不匀；从整体上看，迷幻成分较浓，给人带来一种类似催眠的效果。《当我64岁的时候》（when I'm sixty-four）是麦卡特尼为他刚过64岁的父亲而写的，歌曲把人们带回到30年代类似拉格泰姆的风格中。《生活中的一天》（A day in the life）是最后一首曲子，歌词明显地涉及吸毒，内容比较消极，表现了对日常生活的厌倦，因此引起了听众的争议。
总的来说，《佩伯军士》是流行音乐历史上一项空前的创举，此专辑荣获1967年格莱美最佳唱片奖，但这也成了“披头士”乐队走向散伙的转折点。
《佩伯军士》以后，“披头士”的道路开始出现滑坡。首先，经理人爱泼斯坦于1967年因吸毒过量而去世，给“披头士”带来了不祥的预兆；而后，乐队内部出现矛盾。特别是列农结识了日本先锋派艺术家大野洋子（Yoko Ono）后给他的生活和艺术带来了极大的影响，列农常把时间花在与她的合作上，而对“披头士”的事情也不再那么热心了。尽管如此，在“披头士”解散以前，除了一些单曲如《嘿，裘德》（Hey Jude）、《革命》（Revolution）外，还是发行了三张专辑：《披头士》（The Beatles）、《修道院路》（Abbey Road）和《顺其自然》（Let It Be）。
《披头士》专辑是一套双张唱片，封面是全白的，故又名《白色专辑》（The white album）。《白色专辑》共30首歌曲，风格极不相同，其实这张专辑并不是乐队的集体创作，只是把个人的作品巧妙的凑到了一起而已。比如：《回到苏联》（Back in the U．S．S．R）是一首主流摇滚歌曲；《为什么我们不在路上这么做》（Why don't we do it in the road）采用的是传统的节奏布鲁斯演唱风格和12小节布鲁斯曲式结构；《蜂蜜馅饼》（Honey Pie）是一首古老的波普歌曲复制品；风格最特别的是列农创作并坚持放在其中的《革命之9》（Revolution 9），它的长度超过了8分钟，由各种各样的声音拼接而成；接着同样是列农创作的《晚安》（Good night），是由管弦乐伴奏的一首地道的波普歌曲；《无情的浣熊》（Rocky Raccoon）是一首幽默的叙事歌，由麦卡特尼创作并演唱，用原声吉他和口琴伴奏。《白色专辑》在音乐上和商业上都取得了很大的成功，在专辑排行榜上获第一名，持续9周。
《修道院路》的标题指的是百代公司（EMI）的录音棚所在地，“披头士”在那里录制了大量的作品，《太阳出来了》（Here comes the sun）；列农的《一起来》（Come together）、《我需要你》（I want you）；麦卡特尼的《哦，亲爱的》（Oh，darling）、《因为》（Beause）等歌曲，都具有很强的吸引力，使《修道院路》成为“披头士”最畅销的专辑，在排行榜上连续11周夺冠。
《修道院路》以后，“披头士”再也没有聚集在一起录制专辑。1969年，列农和大野洋子发行了一首单曲《给和平一个机会》（give peace a chance），1970年5月，斯塔尔发行了专辑《多情的旅程》（sentimentai journey），麦卡特尼和哈里森也都忙着准备自己的专辑。显然“披头士”的成员们已经分道扬镳、各奔东西了。1970年4月，“披头士”的又一部**《顺其自然》（Let it be）上映，同时也发行了同名专辑。这些歌曲实际上都是一年以前录制的，“披头士”成员们谁也没兴趣对它投入精力，最后由美国一位制片人帮着编辑、混合而成，但是专辑的主打歌曲《顺其自然》中以“柱式和弦”为主要伴奏织体的方法被日后的摇滚乐队普遍采用。
“披头士”从成立到解散共创作歌曲约200首，其中有强劲的主流摇滚（Mainstream Rock）、先锋派摇滚（Avant-garde Rock）、迷幻摇滚（Psychedelic Rock）、交响摇滚（Symphonic Rock）以及轻松愉快的摇滚小曲等各种风格。主要题材是爱情，也有些歌词（主要是后期）涉及社会事件、人际交往、怀念家乡、和平友爱、药物体验以及一些超现实主义的或无意义的意识流歌词等。他们继承了摇滚乐头十年的成果，以自己的创造和革新，丰富和发展了摇滚乐，把摇滚乐带到了一个新的历史阶段。从此，摇滚乐不再只是一种单纯的娱乐音乐，它有了更多的让人思考的东西，更多的隐藏在音乐背后的东西。60年代成长起来的英美两国的年轻人，很少不与他们的歌声发生联系。可以说他们的歌声影响了一代人的艺术趣味、服装发式、生活方式和人生态度。“披头士”的出现使更多的学者开始研究摇滚乐现象，以及摇滚乐的音乐和歌词，以致后来大学里也开设了摇滚乐课程（这在60年代初还是不可想象的）。
1970年“披头士”解散以后，乐队成员作为个人继续活跃在摇滚乐坛。四人中取得最大成功的是麦卡特尼，他和他的妻子组建“双翼”（Wings）乐队，其中发行的很多专辑都很受欢迎。列农的日子则更带传奇色彩。他与妻子大野洋子组建了“柔顺的洋子”（Plastic Ono）乐队，并于1971年离开英国移居美国纽约，而后卷入各种政治活动，并创作了如《权力归于人民》（Power to the people）等歌曲，同年发行的专辑《遐想》（Imagine）可能更好地代表了他心目中的理想世界。1975年，列农为了和妻子、儿子安静地生活在一起，放弃了一切公开的音乐活动，整整5年没有露面。1980年，他再次复出，发行专辑《双重幻想》（Double fantasy），使乐迷们欣喜若狂。不料，就在当年的12月，在曼哈顿自己公寓前，列农被一名患有精神病的歌迷枪杀身亡，时年40岁。
当然不算了爵士乐成形时间是19世纪末、20世纪初。公认的发祥地是美国南部路易斯安那州的一个亚热带城市―新奥尔良。
在众多流行音乐中，爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种，爵士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的"民间蓝调"，"拉格泰姆"和"民间蓝调"构成了早期的爵士乐。
从17-18世纪西方殖民主义者，将大批非洲黑人贩卖到美洲，成为那里白人的奴隶之后，他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余，黑奴 们怀念故乡和亲人，常常唱一种哀歌，以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中，被看作是忧郁的色彩，这种悲哀的歌曲，也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为"布鲁斯"。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名，如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。
爵士乐的另一个起源，是来自一种叫"拉格泰姆"的钢琴音乐。"拉格泰姆"是Ragtime这 个词的音译。词意是"参差不齐的拍子"。故又称为"散拍乐"。它也是从非洲民间音乐发 展而成。19世纪末，一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手，创造了一种新风格的钢琴音乐：右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲，一、三拍为强拍，二、四拍为弱拍，而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时，就出现一次强音，而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏， 一、三拍为低音强拍，二、四拍为和弦、弱拍。这样左右手形成交错的节拍，使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣，由于这一创造，乔普林被人们誉为"拉格泰姆之王"。
有人说Jazz这个词，是从非洲土语Jaiza演变而来。这个词原意思是"加快击鼓"；另一种说法是：早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了，都叫他Jas,后来一传再传，就变 成了Jazz了；还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。
早期的黑人爵士乐师多不识谱，演奏时只是凭着灵感，对所熟悉的曲调自由地进行变化。 所以带有很强的即兴性质。由于人数不多，三五个乐手经常在一起合作，时间久了，彼此之间也就自然地形成一种默契。
1923年冬天，纽约"皇宫乐队" 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温，说他想举办一次别出心裁的音乐会，其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目，就是把爵士乐和交响乐揉合在一起，格什温是一位音乐革新者，他从1924年元月开始动笔，仅仅花了 一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是"布鲁斯音阶"和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦，故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue)，在我国译作《蓝色狂想曲》。这次演出大获成功。从此，爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现，许多作曲家也竟相效仿，创作了许多爵士风格的音乐作品，如美国的一些音乐剧，兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等，都运用了爵士音乐的素材和节奏。
爵士乐音乐的特点：
(1)从大音阶来讲，它的第三级(Mi)音和第七级(Si)音经常是降低一些(平时讲是降半音，实际上不到半音)。有时第五级(Sol)音也降半音。这些降音还常辅以滑音和颤音，因而更加强了歌曲忧郁、悲伤的色彩；由于有以上这些特点，按这种方法形成的音阶，人们称之为"布鲁斯音阶"。
(2)旋律中多用切分节奏和三连音，形成轻重音颠倒；
(3)节奏多为双拍，通常为4/4拍，也有部分是2/4拍 ；
(4)从歌词、曲调结构上讲，布鲁斯多采用对称的、带音韵的两行词。第一句重复一遍。每段曲调12小节，每句4小节，从而形成：‖∶ A ∶‖＋B三句的固式曲式结构
(5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、属和弦(Ⅴ)和下属和弦。(Ⅳ)，因此，和声听起来很和谐，而且朴素。
其他特点因素：
爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法。
爵士乐的切分节奏复杂多样，特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位，造成一种飘忽不定的游移感。
原来的4／4拍节奏经改变后变成了3／16拍。
爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶（ 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 ）来形成它的特点，有时还在布鲁斯音阶的基础上增加＃4和其他一些变化音，使其变得更加丰富多彩 。
爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多，它以七和弦为基础，并且大量的运用扩展音（如：9音、11音、13音）和替代和弦，有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行，使其呈现出丰富多彩的和声效果。
即兴是爵士乐手（或歌手）必练的演奏（或演唱）技巧之一 。
爵士乐的一些变化分支：
早期爵士乐
早期的爵士乐（1900—1917）曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调；有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调；还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢，但它的独奏旋律线的变音转调较多，起音不一，音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称，而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。
早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器，有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中，乐队的每个成员，不仅仅是独奏者，都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作，只受和弦进行结构的限制，这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出，它就是“爵士乐”。
自由爵士
自由爵士产生于60年代，这种全新的音乐刚一出现，就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。
自由爵士不同于以往爵士乐，在和声、旋律方面没有太多的限制，演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念，节拍、对称性被统统打乱，同时，它也强调音乐本身的强度与张力，加入大量的不谐和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起，采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器，因此，有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。
摇摆乐
二十年代末，美国出现大萧条，爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所，致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson（费莱切·汉德森）的大乐队，但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大乐队的成功，直到1946年大乐队时代结束为止，摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐，在演奏过程中不太注重合奏，反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础，与以前的演奏相比，这更具有冒险性。
这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴，所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。
摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统，同时也开辟了个人表演的新领域，许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。
Cool爵士
1950年，Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》，标志着Cool爵士的产
生。
Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的，音质柔和干爽。独奏中，带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥，有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势，但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑，音色更加和谐，与Bop相比，Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感，而没有Bop那么强的内在张力。
Cool爵士鼓手也更加安静，不干扰其他音色，总而言之，Cool爵士风格是节制的，“点到为止”，这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。
Fusion
二十世纪七十年代，Fusion音乐渐渐发展起来，它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣，Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴，我们现在所熟悉的Fusion音乐，其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。
Regtime
Regtime（拉格泰姆）爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律，有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓，随即强调音节，这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行，虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉，所以并不能称之为真正的爵士乐。
Bebop
“Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节（或无意义的狂喊乱叫）。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束，而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组，还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱，这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小节的布鲁斯则演奏两次），接下来是在节奏组（一般是钢琴、低音提琴和鼓）伴奏下的几段即兴独奏叠句，再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型（包括变化音型），以保持乐曲的结构。
古典音乐是指那些从巴洛克时期(1600-1750)开始一直到20世纪早期，在欧洲文化传统背景下创作的音乐,它有别于通俗音乐和民族音乐,具有永恒的意义。
大约从1600年开始,也就是所谓的巴洛克时期(巴洛克Baroque是从建筑学、绘画史借用来的专业术语,源自于葡萄牙语,词义是很不规则的珍珠;在意大利语中又指冲动、夸张、任性、幻想等义)，欧洲作曲家开始创作早期音乐，这也就是古典音乐的开端。
事实上，很多西方古典音乐最早都是来自于为宗教仪式和庆典而写的音乐
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