艺术是人们闲暇时候来消遣的娱乐项目,这是人类最早创造艺术时候的初衷.到后来艺术发展为人们美好的向往和对未来的遐想.艺术具有广泛性,普遍性,大众性,艺术家只是杰出的代表,我想每个人都是艺术家,只是在艺术领域中所在不同而已.后现在把艺术神圣化,这也是发展必须的道路之一,因为这时代人们已经对社会和未来开始了恐慌,所以后现代主义的艺术作品都带有浓重的希望色彩,这时候的艺术代表了一代或者几代人的理想和崇敬.这就是艺术,在不同的时代有着不同的意义和定义。所以艺术的含义就是:带着相同和不相同的特征,被人们创造出来并代表人们思想的产物。这就是艺术!
艺术风格的主要特征是：个体性与社会性相统一；稳定性与变异性相统一；一致性与多样性相统一。
艺术风格具有时代性、民族性，在阶级社会里，还不可避免地打上阶级的烙印。社会主义的艺术，提倡政治方向的一致性和艺术风格的多样性，鼓励艺术家在“二为”方向、“双百”方针的指引下，发展不同的艺术风格。
当然一个时代也有一个时代的艺术风格，这是由于人们在一段时期内受到共同的影响有着比较接近的审美趋向。比如汉代大多崇尚简洁浑厚的艺术风格，18世纪的法国流行装饰味极强的洛可可风格等。
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艺术风格就是艺术家的创造个性与艺术作品的语言、情境交互作用所呈现出的相对稳定的整体性艺术特色，风格是艺术家创造个性成熟的标志，也是作品达到较高艺术水准的标志。风格既包括艺术家个人的风格，也包括流派风格、时代风格和民族风格等。
艺术风格可分为艺术家风格和艺术作品风格两种。由于艺术家世界观、生活经历、性格气质、文化教养、艺术才能、审美情趣的不同，因而有着各不相同的艺术特色和创作个性，形成各不相同的艺术风格。
艺术的本质与特征密不可分，本质是特征的内在规律，特征是本质的外在表现。艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术必然具有形象性、主体性、审美性等基本特征
艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。哲学、社会科学以抽象的、概念的形式来反映客观世界；艺术则以具体的、生动感人的艺术形象来反映社会生活和表现艺术家的思想感情。
普列汉诺夫讲过 艺术“既表现人的情感也表现人的思想，但并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术最主要的特点。
各个具体艺术门类所塑造的艺术形象可以具有不同特点，但无论怎样，任何艺术都不能没有形象。
艺术作品的形象是具体的、感性的，都体现着一定的思想感情，都是客观因素与主观因素的有机统一。
鲁迅先生说：＂表面上是一张画，一个雕像，其实是他的思想和人格的表现。＂
例如意大利文艺复兴时期画家达芬奇的《蒙娜丽莎》，是几个世纪以来人们赞叹而又迷惘的作品。肖像画中的少妇据说是佛罗伦萨皮货商的妻子，刚刚丧子心情不好，达芬奇作画时请乐师在旁边弹奏乐曲，使少妇心情愉快，以便捕捉表现在面部的内在感情。画家在这个人身上寄托了自己的审美理想，以至后来分析学派艺术批评家们，用性欲升华理论来分析这幅名画，认为达芬奇在这幅画中体现出恋母情节。事实上是想通过这幅作品表现文艺复兴时期摆脱了中世纪宗教束缚和封建统治的人文主义思想，对人生和现实的赞美。
中国美学重视＂传神＂，不但反映了对象的本质特征，又表现了艺术家对生活、人物的理解。例如五代南唐画家顾闳中的作品《韩熙载夜宴图》，这幅长卷以听乐、赏舞、休息、清吹、散宴五个连续画面描绘了韩熙载家宴情况。尽管画中夜宴排场豪华气氛热烈但韩熙载处于沉思压抑的精神状态，虽在夜宴歌舞中，却并不纵情声色，反映出内心矛盾和精神的空虚。这一人物形象的生动性和深刻性显示出画家传神的精湛才能和功力，也体现出画家对生活与人物的深刻理解。
不同的艺术门类，艺术形象具有各自不同的特点。一类是雕塑、绘画等造型艺术，是再现生活的艺术形象中渗透着艺术家的思想感情，这类艺术主客观的统一表现为主观因素消融在客观形象之中。另一类是直接表现艺术家的思想感情，间接和曲折的反映社会生活，这类艺术主客观的统一表现在客观因素消融在主观因素中。例如音乐，是用乐音来组织艺术形象，音乐的主要内容是作者对现实生活和主观感受的思想感情。俄国作曲家穆索尔斯基《图画展览会》，是他参与加尔特曼的遗作展览后于1874年写下的，套曲由十首小曲组成，每首小曲以一幅图画为依据有人物肖像有表现生活的习俗，有的描绘民间童话和节日场面，运用＂漫步＂主题将它们连在一起。这些乐曲没单纯描绘画面，而是深入表现作曲家观图后的体验和感受，达到了客观因素和主观因素的统一。
任何艺术形象离不开内容，也离不开形式，二者有机统一的。艺术欣赏中，直接作用于欣赏者感观的是艺术形式，艺术形式感动人、影响人是由于这种形式生动鲜明的体现出深刻的思想内容。
法国雕塑家罗丹：＂没有一件艺术作品，单靠线条或色调匀称，仅仅为了视觉满足的作品，能够打动人的。＂中国美学史上，西汉刘安《淮南子》有这样一段话：＂画西施之面，美而不可说；规孟贲之目，大而不可畏：君形者亡焉。＂就是说，画家只注重人物的貌而不重人物的神，在人物画中只重形似不重内涵，所塑造的艺术形象是不成功的。东晋时期顾恺之主要＂以形似神＂；南齐谢赫绘画六法时，第一条就是＂气韵生动＂。通过形象不仅是视觉直接看到的外貌或外形，也有无法直接看到却可感觉到领会到的内容和意蕴。
将深刻的思想内涵和完美的艺术形式有机统一的才是优秀的作品。19世纪末叶法国文学会为纪念巴尔扎克委托罗丹创作雕象，选择了巴尔扎克深夜写作时穿睡袍漫步的构思，以朴实、简练的艺术手法来突出这位伟大作家的内在精神气质，使这座雕像取得巨大成功。成功在于，内容和形式的完美统一，真正在形似的基础上达到了神似。
成功的艺术形象都具有鲜明而独特的个性，又具有丰富而广泛的社会概括性。达到个性与共性的统一，艺术形象才有不朽的生命。
清代金人瑞赞叹《水浒传》中人物形象时说：＂《水浒》所叙，一百八人，人有其性情，人有其气质，人有其形状，人有其声口。＂黑格尔认为《荷马史诗》中，每一个英雄都是许多性格特征充满生气的总和，＂每个人都是一个整体，本身就是一个世界，每个人都是一个完满有生机的人，而不是某种孤立性格特征的寓言式抽象品。
世上万物都是个性和共性的统一，共性存在于千差万别的个性之中，个性总是共性的不同方式的表现。一切事物都是在带有偶然性的个别现象中，体现出带有必然性的共同本质和规律来。因而，许多艺术家在总结创造艺术形象经验时，总把能否从生活中捕捉到这种且有独特个性的特征，同时又具有普遍意义的事物当作成败的关键。例如鲁迅塑造的阿Q，他的＂精神胜利法＂不是他独有的特征，也是长期半殖民地半封建社会给人们造成的精神状态，是整个民族共有的，具有普遍意义的国民性弱点。
艺术形象这种个性与共性的统一，集中体现为艺术典型。所谓艺术典型是艺术家运用典型化的方法，创造出来的具有栩栩如生鲜明个性并体现出普遍意义的典型形象。
艺术典型与艺术形象有联系又有区别，根本上讲，二者都是个性与共性的有机统一，具有共同的实质。艺术典型比艺术形象有更强烈的个性与更广泛的共性。艺术典型更加独特更加普遍，是艺术形象的凝练与升华。艺术典型具有个性鲜明的艺术独创性，又能非常深刻的揭示出社会生活的本质和意义。
艺术用形象反映社会生活，融入了创作主体及至欣赏主体的思想感情，体现创造性和创新性。主体性作为艺术的基本特征之一，体现在艺术生产活动的全过程，包括艺术创作、艺术作品和艺术欣赏。
艺术创作的内容来自于社会现实生活，同时，艺术创作是一种创造性劳动，艺术家作为创作主体对艺术创作起决定性作用。艺术创作离不开社会生活更离不开创作主体，离不开艺术家的创造性劳动。艺术创作的主体性特点是由于艺术生产是一种特殊的精神生产。马克思指明动物生产是出于本能是不自由的，只创造自己和后代延续生命直接需要的东西，并只能按照自己物种的尺度来生产。人在生产活动中，能＂把内在尺度运用到对象上去＂，把人的本质力量在劳动生产中、劳动产品中对象化，打上人的标记和烙印，并且＂按照美的规律来建造＂。劳动产品成了人的本质力量的对象化，使人能从中直观自身。物质生产是如此，精神生产更是如此。
艺术创作的主体性集中表现为艺术家创作活动具有能动性和独创性。艺术创作的能动性使艺术成为主观与客观、再现与表现的辩证统一。艺术作品凝聚着艺术家独特的审美体验和审美情感，带有艺术家个人的主观色彩和艺术追求，体现出艺术家鲜明的创作风格和艺术个性，具有强烈的创造性与创新性。
中外艺术实践中的例子，唐代画家韩干笔下的马和元代画家赵孟頫笔下的马迥然不同，体现出两位画家各自的艺术风格和独特的艺术追求。韩干注重实际观察，细心观察马的形状、毛色，终成画马名家《照夜白图》。他画的马肥肥大大，杜甫称＂画肉不画骨＂，唐代美术理论家张彦远的《历代名画记》中提出了不同看法。元代赵孟頫画马、山水的名家，画马取法唐人，师其意而不师其形，《秋郊饮马图》画中十几匹马姿态各异，但匹匹精神抖擞表现出马的健美和善于奔跑的习性。2、艺术作品具有主体性的特点
艺术作品作为艺术家创造性劳动的产物，必然打上艺术家作为创作主体的解明烙印。千姿百态的众多艺术作品源于凝聚着对生活独到的发现和深刻理解，渗透着艺术家独特的审美体验和审美情感，体现出艺术家鲜明的艺术风格和美学追求。
艺术生产的产品和物质生产的产品的不同：艺术作品都独一无二、不可重复，具有艺术的独创性。如韩干和赵孟頫画马不同，契诃夫和高尔基描写俄国社会下层人民生活不同，北宋画家与清代郑板桥画竹不同，朱自清和俞伯平都写了《桨声灯影里的秦淮河》却有各自解明的艺术特色。
美感有共性也有差异性，有社会功利性也有个人直觉性，有千差万别的个性特征。由于欣赏者生活经验与性格气质不同，审美能力和艺术素养不同，在审美感受上形成鲜明的个性差异，使艺术欣赏打上欣赏主体的烙印。
＂一千个读者就有一千个哈姆雷特＂说明了艺术欣赏的个性差异。同一部作品在不同人看来具有不同价值，获得不同感受。鲁讯说同一部红楼梦，经学家看见《易》，道学家看见淫，才子看见缠绵，革命家看见排满，流言家看见宫闱秘事。所感迥然不同是因为艺术欣赏中，欣赏主体和艺术作品之间是一种相互作用的审美主客体关系。
艺术欣赏以客观存在的艺术作品为前提，欣赏主体对艺术作品的感知、能动改造加工过程。艺术欣赏活动中，欣赏主体与艺术作品之间是相互作用的关系，一方面艺术作品总引导欣赏者向作品所规定的艺术境界运动，另一方面欣赏主体又总按自己的审美理想和审美感受能力来改造和加工作品中的艺术形象。艺术鉴赏的本质是一种审美的再创造。
美学家王朝闻先生，从文艺创作与欣赏者关系来说，艺术作品需要有个性，欣赏者也不能没有个性。＂知多偏好，人莫圆该＂是正常现象。欣赏者个性使艺术欣赏具有了主体性特点。＂仁者见仁 智者见智＂。例如19世纪俄国作家赫尔岑，看完莎士比亚的《哈姆雷特》号淘大哭，而列夫托尔斯泰看后十分冷漠，认为哈姆雷特是一个＂没有任何性格的人物，是作者的传声筒而已＂
艺术欣赏主体性特点可以使欣赏者实际获得的艺术感受与艺术家原来的创作意图之间产生差距。如柴可夫斯基《第四交响曲》第一章作曲家说＂这是噩运，这是那种生命的力量＂而对柴可夫斯基音乐感受极深的梅克夫人也只是说＂在你的音乐中，我听见了我自己，我的气质，我感情的回声＂而已。一般欣赏者自然更无法理解作曲家的初衷。相反情况，具有较高艺术修养的欣赏者，对艺术形象的感受不但十分接近艺术家创作意图，甚至比艺术家本人想的更丰富更深远。贝多芬《第五交响曲》自己解释为＂命运在敲门＂，法国浪漫音乐大师柏辽兹认为＂这简直就像奥赛罗的愤怒，这不是恐慌不安，这是受了折磨之后暴怒之下的奥塞罗的形象。＂
以艺术生产角度讲，艺术作品须具有以下两个条件：一、必须是人类艺术生产的产品；二、必须具有审美价值即审美性。
艺术生产是为了满足人的审美需要，本身就是审美意识物质形态化了的集中体现。
美的形态分为自然美和艺术美，区别在于艺术美直接凝聚着人类劳动和智慧的结晶。并不是人类一切劳动和智慧的创造物都可以称为艺术品，只有那些能给人精神上愉悦和快感具有审美价值和审美性的人类创造物才称为艺术品。
艺术审美性集中体现人类审美意识。审美意识的产生和发展离不开人类的社会实践，艺术从历史发展过程中完成由实用向审美的过渡成为人类审美活动的最高形式。艺术又是人类审美意识物质形态化的表现。任何艺术都有自己独特的物质材料和艺术语言，使人头脑中的意识物化为艺术作品，成为人们传达交流意识的手段。通过艺术的物质材料和手段，使人类千百年来审美意识记录保存下来世代流传，成为精神文化宝库。
艺术美高于现实美是因为艺术家的创造性劳动把现实生活中的真善美凝聚到艺术作品中。
艺术的＂真＂是艺术家的创造性劳动提练加工使生活的真实升华为艺术真实，化真为美通过艺术形象体现出来。艺术的＂善＂通过艺术家创作使艺术家人生态度和道德评价渗透到艺术作品之中，化善为美，体现为生动感人、有血有肉的艺术形象。例如，北宋张择端的《清明上河图》，体现出艺术的真善美统一，取材于真实生活，反映北宋汴京各阶层人物的生活。这幅画在美学史上有重要地位，为民俗学、建筑学、历史学提供了研究资料。突破了自唐、五代以来宫廷画家多以贵族官宦生活为主题的人物画的桎梏，以中下层市民现实生活为题材，直接反映市民的生活理想和审美情趣，人民性和现实性直接影响到明清插图和年画的发展，也体现出艺术家对劳动人民的歌颂和赞美。运用散点透视法。
生活中的丑经过艺术家的创造性劳动，通过审美特征在艺术作品中体现出来，事物本身的丑性质没变只是具有了审美意义。
莫里哀的讽刺喜剧《吝啬鬼》，塑造了阿巴贡极端自私而贪婪的人物形象，揭露资产阶级贪财如命的本质。另一部《伪君子》塑造出达尔丢夫无耻伪善的形象。莎士比亚《威尼斯商人》贪得无厌的高利贷者夏洛克；《麦克白》中麦克白夫人，内心丑恶，唆使丈夫害国王，最后同罪行而发疯。
艺术美注重形式但不脱离内容，它是二者的有机统一。南齐画家谢赫《古画品录》中提出＂绘画六法＂对我国古代绘画实践的系统总结。＂气韵生动＂是总的要求，其他都涉及艺术形式问题。德国18世纪美学家莱辛认为＂在古希腊人看来，美是造型艺术的最高法律＂结论是＂凡是为造型艺术所能追求的其他东西，如果与美不相容，须让路给美；如果和美相容，也至少须服从美。＂俄国19世纪文艺理论家别林斯基也同样强调：现实的美只在内容，而艺术则把它融化在优美的形式里，因此，绘画才优于现实。
每种艺术都有独特的形式美，由于各种艺术长期历史发展，艺术门类在运用形式美规则方面积累了许多经验与规律。这种形式美的法则不是凝固不变的，艺术贵在创新，随着艺术实践的发展，形式美的法则也在不断变化和发展。艺术家在创作实践中，探索和寻找美的形式，从内容出发选择最恰当的形式加强艺术的表现力，使艺术形式美日益丰富和发展。拿建筑艺术来说，从古希腊罗马开始，将毕达哥拉斯学派的＂黄金分割＂奉为建筑艺术形式美的法则，强调建筑物各部分间的比例，如古希腊帕提农神庙。由46根大理石圆柱环绕成一个回廊。世界各国建筑师研究后认为，帕提农神庙之所以这样美，是因为它的高、宽和柱间距都符合＂黄金分割＂理论。
随着大工业生产的发展和建筑艺术的突飞猛进，建筑师们扬弃了传统形式美法则，反对在艺术形式美上的整齐划一，提倡探索和创新。澳大利亚悉尼海湾的悉尼歌剧院历时15年，包括五个厅外形独特，屋顶第五个＂立面＂供人从空中或周围的高层建筑上观赏。成为澳大利亚国家的象征。
艺术形式美在于生动鲜明的体现出内容。刘勰《文心雕龙》中＂故情者文之经，辞者理之纬，经正而后纬成，理定而后辞畅，此立文之本源也。＂他认为形式服从于内容。顾恺之＂以形写神＂要求抓人物典型特征，表现人物内在精神。王维＂凡画山水，意在笔先＂。黑格尔的美学核心＂美是理念的感性显现＂认为艺术美的本质在于感性形式体现出理性内容。罗丹认为＂一幅素描画或色彩的总体，要表明一种意义，没有意义便一无美处。＂
帕提农神庙体现出古希腊时代的＂美就是和谐＂的美学思想。是雅典的奴隶主民主制度下的产物，体现这个时代民族的社会背景。悉尼歌剧院是当代艺术与现代科技结合的产物，标志现代工业社会中建筑技术和建筑材料已达到很高水平。悉尼歌剧院具有突出的鲜明个性，设计师丹麦建筑家伍重强调现代建筑从属于自然环境＂有机建筑＂理论，建筑应与周围环境有机融合在一起。
