抽象画可以分为哪几种啊

热抽象，也称为抒情抽象、感性抽象。主要图式特征是无规律的色彩组合、自由的点线面关系和空间布局。纯粹热抽象没有任何自然的痕迹。但部分热抽象有山水、风云、雾霭的形态。因为色彩流动受大自然地球引力的原因，有上下重心之分。色彩和线条也和自然接近。热抽象理论源头也从塞尚的色彩理论开始，经历了马蒂斯野兽派的发挥，最终由康定斯基1910年完成“开创”。

冷抽象，也称几何抽象、理性抽象。主要图式特征是有规律的点、线、面、肌理交错，符号重复或规则构图。代表人物是荷兰人蒙德里安和俄国人马列维奇。时间是1912年前后。冷抽象中还区分极多主义和极少主义。极多主义是符号重复密集或线条排列、交错繁复。极少主义和极简主义一致，是符号、简单、明快。

中间抽象，也称冷热抽象、温抽象。是热抽象和冷抽象的综合，走冷与热抽象结合的中间道路。半冷半热。往往是自由色彩和几何线条的组合。

半抽象，不完全抽象的意象绘画，画面中有些具象元素。还有一些无主题、非理性的带有具象痕迹的绘画，也被称为半抽象画。

热抽象创作，偏重于主观感情，是用来抒发感情，表达某种意趣、意念、幻觉等。作画常为即兴式的，美国画家波洛克作画还带有表演性。

冷抽象不受主观感情和表象制约，从形式结构出发，以几何图形的结构取得艺术形式的纯粹美的价值。其绘画从形象上看趋于简单化、单纯、大色块、几何形、规律化，具有现代和谐感，在多数作品中形式构成严谨起着重要作用。冷抽象绘画，大多显得安静。

彼埃·蒙德里安（英文：Piet Cornelies Mondrian，1872年3月7日-1944年2月1日），荷兰画家，风格派运动幕后艺术家和非具象绘画的创始者之一，对后世的建筑、设计等影响很大。

蒙德里安是几何抽象画派的先驱，以几何图形为绘画的基本元素，与德士堡等创立了“风格派”，提倡自己的艺术“新造型主义”。他还认为艺术应根本脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对境界，也就是现在我们熟知的“纯粹抽象”。

我们可以从抽象主义大师康定斯基身上可以感受到一个画家渴望赞美美术元素的热情。无需一些表面的具象的东西，通过色彩的狂乱，红、黑、蓝、黄飞速的交融，热情奔放，表现一种“内在的和本质的”的感觉。这种抽象被称为“热抽象”与它对应的是“冷抽象”代表人物是荷兰画家蒙德里安他主张：真正的实在的造型表现，要通过平衡里面的力学来达到“抽象艺术的首要和基本的规律，是艺术的平衡”。他的抽象画排除了任何曲线，画面上的色块都离不开直角。《构图》帮助我们理解他的这一理论实质。

抽象绘画是把自然主义所主张正确而完全的模仿自然的六种要素扬弃

空间映像

身体映像

对象色

解剖学上的比例

材质映像

细部的描形

抽象绘画特质

各画派的演变到抽象主义

印象派把色调绘画要比自然主义更能强调笔触的固有

的生命

莫内

1890-1891

梵谷

1889

杜象

巴拉

未来派把现实的动态和速度,停留在律动的画面

野兽派所用的线与色,仍在描画一定的对象,但其色

彩与线早已不为对象而存在,而对象反倒是为色彩与

线而存在

马蒂斯

1910

马蒂斯

1916

立体派把事物的形,分解成支离破碎的细小的面

毕卡索1909

毕卡索

1907

各画派终极都是抽象表现,但是无论如何抽象,也未能跟自然断绝关系

终于由立体派的「画面构成」,导致完全和现实世界的现象隔离,进入纯粹以抽象的图形来构筑画面的抽象表现,于是抽象绘画诞生了

抽象主义诞生

最初确立这种作画态度的是康丁斯基和蒙德利安

蒙德利安

1925

康丁斯基

第一幅水彩抽象画

1910

冷抽象与暖抽象

「抽象」是相对「写实」的绘画表现手法它是艺术家对视觉元素如点,线,形状等概念思考;经客观逻辑思维或主观情绪的媒介表现中具体而扼要地表现在画面上

冷抽象--是客观逻辑思维,在形式上倾向有结构组织,有序感的艺术表现

代表画家如蒙特里安,巴内特

纽曼

蒙德里安

1930

凡

杜斯伯格

1919

暖抽象

--

情绪的触动使作品侧重情感,感觉表现,主观渲泄化为视觉语言而与观者沟通代表画家有康丁斯基,帕洛克等

康丁斯基

1914

帕洛克

1949年23号作品

抽象艺术的表达手法

音乐表现派

德洛湼

作品

1914

书法表现派

哈鲁眞克

作品

记号表现派

卡波克洛西

铁

卡罗

1963

大理石

阿尔普作

1938

画家介绍

蒙德利安(1872-1944)

1872年出生在荷兰的阿姆尔弗特

父亲是小学校长,也是业余艺术家,给蒙德利安在艺术上有很大启蒙而他亦自小喜爱画画

他的绘画风格受到荷兰画派,表现主义,印象主义及立体派影响

1917年创立了风格派发展出他独特的构图理念,将缯画的基本元素,结合几何图形的排列,建立其独树一帜的新造型主义艺术

1944年因肺炎病逝

莱茵河畔之树

1907-1908

停泊的帆船

1898-1899

黄昏

1890

早期画作

新造型主义萌芽--树的连作1911-1912

1

树

2

树二号

3

灰树

4

开花的苹果树

「椭圆构成」

树的延伸

椭圆构成--树

1913

椭圆构成

三号

1914

有姜母壶的静物

I

II

1901-1912

静物

I

静物

II

以

「

+

」和「–」技法所构成作品

垂直=男性=空间=静上=调和

水平=女性=时间=动的=旋律

这两种直条的交叉关系,启开

了永恒生命与纯粹的实在门扉

海堤与海

构成十号

1915

构成

1913

「色块构成」--放弃支配画面

+

–

线条,只以

色块面组合,后来发展成「红黄蓝构成」

色块构成

红黄蓝黑

1917

蒙德里安

1930

把多变的自然景象被带领到有限的造型表现这些大

大小小的方格产生富有节奏的画面

帕洛克

1912-1956

1912年出生于美国怀俄明洲

在中学时期培养了他的艺术兴趣,有强烈的学画欲望

1929年进入纽约艺术学生联盟班顿的绘画班,开始学画

受到佩姬古根汉赞赏,在1943年为其举行个人画展,此后

十二年他举行了十一次个展

1947年首次把画布铺在地上把颜料滴溅在画布上作画,从

此声名大振,作品迅速发展成为强烈的情感发泄,充满曲线

与色块

1955年酗酒程度严重,酒精中毒影响创作

1956年酒后驾车撞树丧生

画作多以抽象绘画为主

人

牛

鸟

1938-1941

人物与旗帜的构围

1934-1938

蓬车驶向西方1934-1935

滴彩法绘画

大教堂

1947

滴洒的映像

1947

1950年29号作品

1941年31号作品

作画情形

导赏心得

每个人的美感经验有其主观性,教师须尊重学生的感受

不应把自已见解强加于学生身上

引导学生欣赏抽象画和画家作画态度,如康丁斯基缯画抽象

画前都先缯草稿使其明白乱画或涂鸦与抽象画的分别

利用一些媒介如音乐来助学生联想和启发

学生绘画抽象画后,请他说出其画意

抽象画是自己的感受,借线条,色彩表现出来,欣赏者

就不必要求看得懂

抽象表现主义

◎概念

抽象表现主义(Abstract Expression)又称抽象主义，或抽象派。二战后直到20世纪60年代早期的一种绘画流派。抽象派这个字第一次运用在美国艺术上，是在1946年由艺术评论家罗伯特·寇特兹Robert Coates所提出的。"抽象表现主义"这个词用以定义一群艺术家所做的大胆挥洒的抽象画。他们的作品或热情奔放，或安宁静谧，都是以抽象的形式表达和激起人的情感。

◎特点

认为艺术是抽象的，且主要是即席创作的。

从技巧上说，抽象派的最重要的前身通常是超现实主义。超现实主义强调的无意识，自发性，随机创作等概念，在后世被杰克逊·波洛克随意溅滴在地板上的油彩画作不断运用。一般认为，波洛克是以马克思·爱伦思特Max Ernst的作品为学习对象的。

抽象派之所以能自成一派，原因在于它表达了艺术的情感强度，还有自我表征等特性。这跟表现主义反具象化美学，和欧洲一些强调抽象图腾的艺术学校：如包豪斯，未来派，或是立体主义等，都有呼应。抽象派的画作也往往具有反叛的，无秩序的，超脱于虚无的特异感觉。

◎地位

它是第一个由美国兴起的艺术运动。美国兴起此艺术运动跟当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有影响的。 也是二战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来。自此之后的一段时期里，西方现代艺术的中心从巴黎转移到了纽约。

◎代表

杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）最能显示这一风格在观念上和手法上的特征。自1947年起，他采用了将大幅画布平辅在地上，再在它周围走来走去，把"颜料"滴溅在画布上的画法。绘画的过程变得像某种祭礼中的舞蹈，他整个身体都在运动。催眠状态般的专心致志和彻底的身心投入，是一幅画形成其"独立生命"的关键所在。他的作品一旦完成，那些密布画面、纵横扭曲的线条便传达出一种不受拘束的活力，随心所欲的运动感，无限时空的波动以及其内在的力量。

从波洛克的代表之作‖薰衣草之物‖中，可以领略抽象表现主义的精神。乍一看上去，一团如麻的线条互相交织着扑面而来。近看画作，是颜料直接滴洒在画布上。画面没有任何可辨识的形象，到处充溢着奔放自由的激情。画面也没有空间透视，但又不是平面的。波洛克创造了一种暧昧的空间，大部分的笔触悬浮在这块表面的后方，悬浮在被有意压缩了的、被剥夺了透视关系的空间之中。前景与后景相互渗透，在人的视觉当中跳来跳去。

波洛克自己这样描述他的作画过程："我的画不是从画架上来的，作画前，我很少绷钉画布，我宁愿把未绷紧的画布钉在坚硬的墙壁或地板上。我需要一块坚硬的平面顶着。在地板上我觉得更舒服些，这样我觉得更接近我的画，我更能成为画的一部分，因为我能绕着它走，先在四边入手，然后真正地走到画中间去，这很接近西部印第安人用沙作画的方法。"

"我又进一步抛弃画家们常用的工具，象画架、调色板、画笔等等。我宁愿使用木棒、泥刀、刮刀和稀薄的流质颜料，或者一种和了沙的厚涂料，加上破碎玻璃或其他通常不用的材料。"

"当我作画时，我不知道自己在做什么。只有经过一段时间的熟悉后，我才看到我是在做什么。我不怕反复改动或者破坏形象，因为绘画有它自己的生命，我力求让这种生命出现。只要我与画面脱离接触，其结果就会一团糟。反之，就有纯粹的和谐，融洽自然，画也就完美地出来了。"

波洛克对美国印第安人艺术的造型特点印象很深。在他看来，印第安人像真正的画家那样，在捕捉恰当意象方面的能力是比较完整的，在绘画题材的构成方面也有很强的理解力。他们的色彩主要是西方化的，他们的视觉具有一切真正艺术所具有的基本特点。他认为艺术是源于印第安人的"沙画"艺术，所谓"沙画"就是将涂彩的沙子漏过指缝洒到地上，组成一种彩色的图案。

波洛克这种独特的创作手法造成的画面一开始引起了美国公众的普遍愤怒，但在极少数人的眼中，他是绘画艺术中的反叛英雄。有人说看他的画对眼晴是一种历险，其间充满惊奇的欣喜。但波洛克对公众的看法多半不予理睬，继续着魔似地作画。他不再给作品命题，而只是在完稿时编上一个号码。他认为作为观众观看现代艺术时，不必寻求什么，"只要随便看--要留意绘画给人的感受，而避免他们寻求的题材问题和先入之见。"当被问道 "在抽象绘画中刻意寻求意蕴和表现对象会不会打断对作品全神贯注的欣赏"时，他答道："我想它应该是一种享受，就像音乐一样--不久你会喜欢它或者讨厌它。但这并不是一件严肃的事，我喜欢这花，而不喜欢那花，我想--总得给人一个机会。"

罗伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell）可算作抽象表现派运动的组织者，他是一位学识丰富、精力充沛的艺术家。他早先学习历史、评论和哲学，是一位自学成才的艺术家。随着抽象表现主义开始形成，马瑟 韦尔的活动范围越来越大，1947到1948年，他是具有影响的杂志《可能性》的编辑之一，1948年他和三位著名画家威廉·巴齐奥蒂（William Baziotes）、巴尼特·纽曼（Barnett Newman）和马克·罗思科（Mark Rothko）一起，创办一所艺术学校。1951年他出版了一本达达派画家和诗人的作品集，这本书的出版是"新达达派"诞生的最早信号之一。

马瑟韦尔同时是一位多产的画家，其最为著名的作品是名为‖西班牙共和国挽歌‖的系列作品。画面主要是黑色的大笔触画在白的背景之上，形成几何化的团块和结构，具有一种纪念碑式的沉稳厚重之感。和波洛克一样，他的笔触也是随意的，所不同的是在作画过程中，马瑟韦尔的理性的力量总是可以起作用的，他试图平衡意识与非意识，在自由表达和保持一定的画面构图之间做出协调。这一系列作品的题材来自于欧洲近代史，西班牙内战爆发时他才二十几岁。画面的每一个笔触似乎都是作者在怀着依恋之情回忆着自己的青年时代。他的作品同时也表明在四五十年代美国风行的"主观性"绘画，并非没有能力处理历史题材或社会题材，而欧洲人认为抽象表现主义只是一种"即兴"艺术也是一种误解。同样是战争题材，我们将马瑟韦尔的系列作品与毕加索的‖格尔尼卡‖作一比较，可以看出艺术向前推展的进程。作为立体派代表的毕加索的‖格尔尼卡‖以分割的形象表达了人们对战争的恐惧，而在马瑟韦尔的作品中，我们连一度令人吃惊的分割的形象也找不到了，剩下的只有笔触，色彩也简化成了黑白二色。但这丝毫不影响我们从作品中找到作者的情感和绘画的主题。某种程度上，这样"无意识"地以游动的笔触来表达，比毕加索创作是更为直接，直通人的心灵。作者无须借助描画形象来传达情绪，笔触中已包含了一切的表达。

1949至1976年间，马瑟韦尔创作了差不多150多幅哀歌主题的变体画。他又于1968-1972年左右开始了对其艺术生涯中第二个伟大主题的实践，代表作品是1969年的‖开放第24号‖。作品由一个单一色块的平面和炭笔线条构成，这种对大规模色彩的表现的探索，包括从相对统一，但非平涂的色块到有节奏感，多样化的画法，形象之间有着内在的联系，而不是形式要素简单的排列，正如中国书法的气韵贯通。

马瑟韦尔对于超现实主义的研究比较全面，并且做了有选择的吸收。他对"梦境"不感兴趣，而乐于对某种强烈性和庄严性进行新的探索和发挥。1976年初，他着手表现一个新的主题，也正是从这时起，马瑟韦尔进入了他事业中最多变化和多产的阶段。成为具有独创力的抽象主义代表。

弗朗兹·克兰（Franz Kline）的作品也是如波洛克一样属于动态性的。40年代，他热衷于线描，特别习惯于画小幅的黑白速写和细节，他在细节中研究单一的母题或空间关系。1949年的一天，他用幻灯机放大一些速写，这启发他发展了自己特有的风格：在白色画布上，一些大尺度的黑色线条，除了线条，别无其他，更没有具象的东西。画面中的空白与强有力的黑色笔触一以生动，甚至某些飞白看起来更有意味。人们看他的作品，也能理解"行动绘画"的含义，笔的运行在作品中显得十分重要，徐、疾、通、滞、转、折、进、退，这一点与中国的书法产生了暗合。不管他有没有受到东方书法的影响，他的画在"计白当黑"的原则上与东方的书法是一致的。而且在削尽冗繁，只取黑白两色，以少胜多，达到更有深度的美--这样的美学趣味与东方的书法艺术十分接近。

克兰最初的大规模的黑白抽象画作于1950年，特点是笔触大而粗犷，但由控制，还有强有力的建筑式结构。他的结构对60年代构成主义雕塑家产生了重大影响。他在50年代后期开始尝试使用色彩，在他去世前的那一年（1962），色彩才开始在他的作品中起重要作用，但结果不一定可喜，似乎色彩在他那由构图表达的意念中无关紧要，而只是一种装饰罢了。

抽象表现主义可以分为两种，一种如波洛克这样强调力量与动感，充满激情；另一种则是更纯粹的抽象，给人以宁静，罗思科便是这种风格的代表人物。罗思科出生在外国，1913年从俄国来到美国，当时只有十几岁。他的早期作品带有超现实主义的痕迹，后来逐渐变得单纯。到了1950年他已完全抛开了具体形象，作品常是几个空白的长方形画在涂了色的背景上，边缘并不明确，因而它们的空间位置也是模棱两可的。这种空间感也是我们在波洛克的作品中所熟悉的，找不到有深度的空间，而这种很浅的空间忽远忽近，不可捉摸。色彩之间的相互关系因为长方形空间而起作用，造成一种温和而又有节奏的脉动感，不清晰的交界处隐隐地藏住很多耐人寻味的东西。

罗思科认为自己不是抽象画家，他更注重精神的表达。他说："我对色彩与形式的关系以及其他的关系并没有兴趣……我唯一感兴趣的是表达人的基本情绪，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。"他要在西方的传统文化中找到今天西方文明的根。他认为现代人的内心体验没有离开从古至今的传统，因此要表现精神的内涵需要追溯到希腊的文化传统中去，尤其是希腊文明中的悲剧意识，这是最深刻的西方文化之源。在他画出成熟的抽象画之前，他对希腊、罗马艺术投注了很多的注意。从希腊传统中他吸收了希腊悲剧精神中的人与自然的冲突，个人与群体的冲突的矛盾状态。在他看来这些冲突概括了人的生存的基本情形。由于他追求表达的清晰，追求去掉一切与观念无关的东西，他最后发展出了一种全黑的画面，在黑色中他找到了和他的悲剧意识完全吻合的形式，而且是不可再简的形式。

阿德·莱因哈特（Ad Reinhardt）在30年代末就开始用几何形和矩形作构图试验。40年代，他以拼贴画为载体，开始超出立体主义的图案和空间，使用一种自由的图案。这些图案把个人的笔法、含意和传统构图的运用减到最低限，使作品独立于它的作者而有了新的生命。50年代初，他用单一的色彩绘画，如红色和非常深的、近似于黑色的绿色。60年代，他多用蓝色。之后，在单色块中出现一些内在的形象，以明度或调子微妙不同的色彩组成更小的矩形，正方形，或者正十字形。

最后莱因哈特在黑色中把他的风格推向一个极点（左图）。在一个五平方英尺的平面里，画着9个等大的黑方块，这些黑块没有纹理，之间没有联系，没有变化，看起来没有任何含义。因此他认为一个好的艺术家在创作中要做的事就是"重复一种规格的画――同样的构思，同样的单色，在第一个方位上同样的线的划分，同样的对称，同样的纹理，同样形式的图案，同样自由的笔触，同样的均衡……把一切都画成高度一致的，规范的。""没有线条和形象，没有形和构图，没有视觉、感觉和冲动，没有象征，没有装饰性、色彩或图画性。没有愉快和悲哀"。这些体现了莱因哈特坚持的信念："艺术就是艺术，除了艺术什么都不是。"他追求纯粹的艺术表达，"艺术中的一个标准是个性和优美，准确和统一，抽象和本质。对于美的艺术来说，它是非呼吸的，非生命的，非内容，非空间，非时间"。在他看来，"抽象艺术50年来的一个目标，就是为了阐述艺术作为艺术，别无其他，把它纳入一个轨道，使它更独立、更封闭，使它更净化，更绝对，更孤傲--非对象，非具象，非象征，非意向，非表现，非主题。谈论抽象艺术或艺术作为艺术的唯一方式，是谈论什么不是艺术。"

莱因哈特抛弃了他认为是非艺术的一切，同时也抛弃了他认为是非精神的一切。他的思想很明显带有一些东方意蕴，他曾在布鲁克和享特学院从事过东方艺术的教学，是一位东方艺术的学者。他的观点影响了极少主义及之后的一些艺术流派，同时也为概念艺术家提供了一种灵感的源泉。

巴尼特·纽曼是抽象表现主义艺术家中最为理智的艺术家之一，他的艺术充满着神秘感和不可知的东西。在一篇未发表的论文，或者说是"自白"中，纽曼阐发了他的观点，明确指出他艺术的题材在最广泛的意义上讲，是创造的神秘与人类存在的含义。在其他的许多文章中，他写道："……（艺术家）以他的欲望、他的意志来建立有序的真理，那便是他对生命与死亡的神秘性的态度的表达。可以说，艺术家像一个真正的创造者那样探究宇宙。恰恰是这一点使得他成为艺术家。"40年代，纽曼专注于犹太神话中关于创世的传说，这些传说不仅来自于《创世记》，还来自于希伯莱的神秘哲学以及整个犹太神秘思想的传统。大约在1946年，纽曼开始发展出一种绘画形象： 一条光带垂直地从画布的一边通向另一边。这一符号使人想起在《创世记》和希伯莱神秘哲学中不断出现的文学上的暗喻--光作为创造的象征。同时，纽曼也接近另一个传统，即将上帝和人类共同比喻成一束光--造物者与被造者同体。在一组名为‖瞬间‖的绘画中，第一次出现了色带。色带处于柔和的背景之下，纽曼对此并不满意。最后他终于在1948年创作的‖单一Ⅰ‖中找到了最满意的解决。画面是统一的暗镉红的背景下，一条细细的亮镉红色带垂直地深入画面的中心。他把光带称作"zip"，这个形象不仅重新扮演了上帝最初的姿势，还描述了姿势本身：一个独立的形，人类--唯一的直立行走的动物，亚当，男子气概，勃起。

在之后的几年里，纽曼一直朝着这个思路发展，做了各种变体，‖亚当‖即是其一。这件作品尤其在色彩和标题的使用上，似乎直接回到了‖单一Ⅰ‖。这里不仅"zip"象征着人类，其棕红的背景下桔红的色带也许暗示着神秘哲学对《创世记》解释中的另一个象征。这涉及到希伯莱语中adamah和adom之间的关系。Adamah意为"大地"，亚当的名字直接由此而来（上帝用泥土造人），而adom意为"红色"。纽曼也许将色彩与大地及亚当在"创造"的主题中共同联系起来。与‖亚当‖相应还有一件‖夏娃‖，他是将二者作为一对来构思的，相继画了两幅画后便命名为‖亚当‖和‖夏娃‖。

莫里斯·路易斯（Morris Louis）的绘画标志着对色彩与光的探索的一个重要的发展。这一探索可追溯到印象主义时期。路易斯创造了在尺寸不定的、未上底的棉质画布上泼洒颜料的方法，这样，画面看起来更像是染过色的，而不是把颜料画在画布上。于是产生了一种前所未有的色的纯净性，而不再因为笔触在画布上运行产生肌理效果而具有什么含义。（左图）这种技巧与他色彩的抒情性和构图的抒情性与戏剧性直接相关。著名评论家克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）写道："色彩与背景越取得一致性，它便越能够从与触觉联想的干扰中解脱出来。"路易斯绘画中的最基本的单纯性也经常被另一位批评家埃米·戈尔丁（Amy Goldin）提到："路易斯从来不是一个复杂的艺术家，他的作品也从来不会产生疑义。"

‖α-φ‖创作于1961年，分开的色带的形状来自于异国植物的形状和女性人体的线条，因此产生一种流动感，这种效果当然来自于液体颜料在画布上的自然流淌。律动的色彩在画的两边倾斜流淌，空出大片的空白，产生一种动人的力量。

艺术是抽象的，用你梦想中的东西取代自然吧！

——法国后印象派画家高更

当你徜徉在世界各地的现代艺术馆里，可以发现抽象画无疑是比较吸引人的一种流派。那么，为什么看起来光怪陆离、非驴非马的抽象画能够吸引那么多的画家去探索创作，吸引那么多的观众去欣赏呢？

崇尚抽象是人的天性

人类对抽象的符号、文字、几何图形和图像的崇拜与敬畏可以追溯到3万多年前（旧石器时期）。从留存至今的洞穴壁画和石刻雕像中我们发现，原始艺术家在观察自然、描写外部世界的时候，已经使用了夸张、写意等抽象画法，取得了彰显人（物）特点的效果。图1是旧石器时期作品维纳斯雕像，像高11厘米。这一尊雕像突出了女性肥硕的身躯、巨大的乳房和隆起的腹部，强调了母亲生殖繁衍的能力和特征，也体现了抽象艺术的表达魅力。

到了西方科学文化起源的古希腊时期，人们对抽象的数字和图像的崇拜更是有增无减。古希腊哲学家毕达哥拉斯提出了“万物皆数”的观点，认为世界万物的背后都隐藏着“数”，只要掌握了数的结构就能够控制世界。

公元前5至4世纪，雅典成为古希腊文化科学的中心，由于在波希战争中获胜，得到了大量的奴隶，城里的平民过上了悠闲的生活。但是，他们既不想发财也不想做官，只想泡泡澡、聊聊天，讨论的全是一些抽象的概念和最具普遍性的哲学命题。对于与生产和商业相关的实用性问题，大家都不屑一顾。后人嘲笑这些人，整天讨论几何学，自己的住房却没有一面墙是成直角的（已经倾斜了）。

究其原因，一方面是古希腊人对大自然充满了敬畏，迫切希望能找到一种超自然的力量来保佑自己的命运，所以对抽象的图像、文字、数字都会顶礼膜拜、充满期待。其二，抽象思维无疑是人类认知活动的核心能力，而且它又主要与个人的内禀和气质有关，所以为贵族和上流社会精英所推崇。

在建筑、雕刻、绘画和装饰等方面，古希腊人也同样表示出对抽象和理性的偏爱，虽然他们也提倡模仿自然，但更关注隐藏在形式背后的秩序、比例和数字。他们孜孜追求和谐与平衡，认为这才是真正的美。在雅典卫城的帕提侬神庙里，所有长方形的比例都符合数学中的黄金分割。当然，其中也不乏抽象元素：粗犷的多立克柱式体现了男性人体美，而纤细的爱奥尼克柱式则体现了女性人体美。图2是古希腊的瓶画，可以欣赏到古希腊绘画艺术里的抽象特点（画中的人和物是经过变形和夸张的）。

古希腊绘画中的抽象元素在以后的年代里得到了传承，在伊斯兰、拜占庭和中世纪的建筑装饰的图案里常常可以看到它们的踪迹。

抽象符合认知的规律

抽象画在西方的再次崛起已经是20世纪的事了。一枝独秀的西方写实绘画光鲜了500年后渐渐露出了疲态，个别有想法的画家开始尝试新的探索。法国后印象派画家高更说：“艺术是抽象的，用你梦想中的东西取代自然吧！”

认知科学告诉我们，人在观察世界的时候并不只是用眼睛看，而是用视觉来感受。而视觉最主要的特点就是有所选择，它要选择自己感兴趣的东西来关注：删去次要信息，抓住主要环节——这就是一个抽象过程。图3反映的是20世纪荷兰抽象画家凡·杜斯堡的作品《奶牛》的创作过程，我们可以看到一个美妙的抽象过程的记录。我们首先看到的是一头完全可以辨认的奶牛，在经过抽象过程的两个阶段，牛渐渐变成了几何模块，与此同时画中模块的明、暗对比增强了，亮处更亮，暗处更暗，最后呈现的就是牛的抽象画。当你了解了这个抽象的过程，你也许会很快知道画的是一头牛。但是，如果你对这一抽象过程还不知情，那么你可能会把这幅画看成是烟囱、房顶，或者其他什么的。

抽象画代表人物荷兰画家蒙德里安与凡·杜斯堡可谓亦师亦友，他的艺术实践也展示了抽象的过程。《红树》是他的一幅早期作品，使用了野兽派的色彩，观者可以从中感受到树的生命力。几年后他画的《灰树》突出了树干和分支间的结构和关系，抹杀了树的环境和地点的特征走向了抽象。尔后，他又画的《开花苹果树》已不再表达真实的东西，以免引起情感而遮蔽纯净的自然。画中只见几何的曲线和弧线。

蒙德里安定型后的作品严格地只用红、黄、蓝三色（当时以红、黄、蓝为原色）以及黑色、白色，图形的边缘也都是直线，有人称之为“格子画”。《红、蓝、黄构图》是一幅极具活力的作品，色彩的张力使这些绝妙的图形显得紧密，粗细不等的黑色边界线包含着完美的平衡。许多人都对他孜孜不倦地重复画同一类作品感到不解，事实上这与他的宗教信仰有关系。他相信自己看到的山水、树木、房舍都有潜在的本体，画家的任务就是要把隐藏在其中的结构及和谐画出来。蒙德里安与凡·杜斯堡等画友组织了“风格画派”，也称“新造型主义”，他们的作品影响很大，也影响到建筑和装饰领域。

蒙德里安与画家凡·高是同乡，两人的处世风格也有点像，都是“一根筋”。凡·高曾经邀请高更一起生活，可是住在一起不到两个月就发生激烈争执，最后凡·高一怒之下用刀割下自己的耳朵。而蒙德里安与凡·杜斯堡也是志同道合的画友，一起创办了《风格》杂志，组织了学术社团。不过，后来分道扬镳了，分手的原因居然是蒙德里安坚持画中只能出现竖线和横线，而凡·杜斯堡却坚持斜线也是可以的。图5是凡·杜斯堡的一幅唱对台戏的作品《不和谐音对位构图》，和蒙德里安的作品相比，你认为哪一幅更好呢？

神经美学方兴未艾

蒙德里安的几何抽象画与传统绘画有很大的差异，观众看了也是反响不一。蒙德里安本人多次说过：“画作中那些矩形并不是随意安放的，它们构成的图案是平静的，远离紧张。”

但是，平静与否又由谁来裁判呢？1993年，英国伦敦大学教授、着名神经科学家西蒙·泽基用正电子发射计算机断层扫描（PET）发现，观赏几何抽象画者的大脑局部的血流量明显增加，增加最大的区域是腹侧通路的梭状回。他的论文《动感艺术的神经科学》发表在1994年的《脑科学》杂志上，引起学术界许多领域专家的关注。因为这样一来，对美感的研究不再依赖于对观者的心理活动的估算，而是建立在用现代计算机技术跟踪，并得到切实可靠的数据和图像的基础上。人们把这种方法称为“神经美学”。近年来这一项研究正在渐渐走热，它不仅对绘画的视觉效果做出了科学的解释，还可以对大脑和视觉神经的疾患的发病机理和治疗手段有很大的帮助，我们期待着它的新成果。

（作者：林凤生；来自《科学画报》2015年第4期）

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