原作版画与印刷品，均以同样的程序，即通过印刷术(包括制版和印刷)，将画稿化为复数。其步骤为：画稿–制版–印刷–原作版画/印刷品，两者区别的关键是画稿的作者与制版师同一与否。从画稿到成品，若由作者一手到底，则为原作版画，若画稿与制作分别由画家和制版师完成，且无任何关联，则为复制品。
在古代，无论是中国或西方，版画只是作为印刷业中一种复制绘画的手段。印刷所里的刻工们，依照画师们的线描和绘画，一丝不苟的刻制成版画一一或是书籍插图，或是给画的复制品。那时不存在“原作”与印刷品的区别。今天之所以有幸能欣赏到陈老莲的《水浒叶子》 (图8)，或是丢勒的《四骑士》，这些历史上的版画精品，应当归功于雕版师们的辛勤劳作与精湛技艺。版画作为艺术品一一“原作”，在市场上出售，最早始于欧洲丢勒和伦勃朗时代。欧洲民众自十五世纪文艺复兴以来，己逐渐具备了将给画作为商品的心理和经济基 础。当时民众认为，版画(当初，只是铜版画) 是艺术家按一定的印刷程序亲自制作出来，并可不断增值的本人的一幅绘画或素描。或许就是由于这种原因，版画作为如同绘画一样的艺术品，在市场上，逐渐的流行起来， 也就使铜版画在各类版画的销售价格中，始终保持了领先地位。再说，毕竟版画比昂贵的绘画要价廉得多。
图8 清 陈老莲 《水浒叶子 一丈青扈三娘》
在我国古代，也曾有过以书画作为谋生手段的艺术家及其市场，但版画却一直未被民众视为“艺术品”(原 作)，在市场上流通过。
近几年来，随着开放政策的实施，许多外国朋友，纷至沓来，版画才开始在沿海及一些旅游城市，首先成为“商品”，在与外国朋友的交往中逐渐流通开来。尽管目前版画还无国内市场，但随着心理和经济上两大因素的不断改善，它在国内的广泛流通是指日可待的。
版画，只有当较普遍的被视为“原作”(艺术品)，在市场上流通时，原作版画与印刷品的区别才显得格外必要。十八世 纪英国名画家贺加斯(Hogarth，1697 -1794) 的针眨时尚的铜版风俗画，当时十分抢手，因而不少刻坊(即现代的印刷所或厂) 为营利，聘请职业技师仿刻他的作品，为此贺加斯曾大声疾呼要国会订立一个版权法。无独有偶，在近几年的日本，也曾发生过类似事件：东京某印刷坊的寺岛氏，因私下以照相制版技术仿制了平山郁夫的版画，而触犯了日本的著作权法，引起了一场诉讼。为此，日本版画界有关组织发表了界定“版画原作”与复制品范围的声明，其内容是：[原作版画]1有明 确的制作意图，由作者亲制草图，并于木板、铜板、石板等上制版者。2 作者自印， 或在其亲自监督下由印刷师印刷。3 作品须经过作者亲自确认。4 完成的版画作品，左下须有张次限定数，右下有作者签名。5 限定张数印完后， 原版即废者。[复制品] 1 没有制作意图，以油画、水彩、素描、日本画等作品为本，摹刻、照相制版等方式而使其复数化者。2委托工场或印刷师印刷，但作者不参与制作。3 作品印张数码和签名，由原作者或己故作者的遗族、关系人记入时，缺漏一项或两项者(注:即无数码或无签名，或两者均无) 4 作品未经作者确认者。纵观此声明，概括之，其实只一条：作品下面有否记入象征确系原作的张次数码和本人签名。在当今印刷科技高度发达的情况下，要辨认出哪一幅是作者亲自制作，哪一幅是制版师所为，确非易事，更何况在版画创作中，这种画 稿作者与制版师分离的现象，在国外至今仍被认可。这无疑为各种复制、伪作提供了方便。一方面是，不少画家、大师将自己作品委托制版师制作成版面，而后在印就的作品下方亲自签名记数，视为正常；另一方面是，一些名家的版画被复制，在市上流通，则被看成违法。我们撇开法律因素不论，就其作品本身看，两者是一样的，差别只在于有无代表作者认可的签名与记数。谁人不知达利(Dali 1904 -1989西班牙超现实主义画家)、米罗(Miro，1893一1983， 西班牙超现实主义画家)的版画出自制版师的手；美国的不少丝网版画，特别是名家的，又何尝不是其制版师的精心之为。有位海外作者，在参观了荣宝斋、朵云轩出售的木版水印复制品时曾感叹，要是在这些复制品上署上作者的名，则就是版画原作，售价就可以高 出现在的好几倍。这实际就是国外将绘画复制成印刷品，并让作者签名、记数认可后，在商店里出售是同出一辙的(图9)。
图9 北京荣宝斋水印木刻复制白石老人之画作(1959年)
版画原作与印刷品之间的区别，除了作者的签名认可外，几乎十分模糊不清，难以辨认。这种状况形成， 是有其无法违避的历史渊源的。
梵高所绘的《唐基老爹》中有许多浮世绘画作（1887年）
19世纪中期开始，欧洲由日本进口茶叶，因日本茶叶的包装纸印有浮世绘版画图案，其风格也开始影响了当时的印象派画家。
1865年法国画家布拉克蒙（FelixBracquemond）将陶器外包装上绘的《北斎漫画》介绍给印象派的友人，引起了许多回响。
梵高可能是著名画家中受浮世绘影响最深的人。
1885年梵高到安特卫普时开始接触浮世绘，
1886年到巴黎时与印象派画家有往来，其中马奈、罗特列克也都对浮世绘情有独钟，例如马奈的名作《吹笛少年》即运用了浮世绘的技法。
同样地，梵高也临摹过多幅浮世绘，并将浮世绘的元素融入他之后的作品中，例如名作《星夜》中的涡卷图案即被认为参考了葛饰北斋的《神奈川冲浪里》。
神奈川冲浪里无独有偶，在音乐方面，古典音乐的印象派作曲家克劳德·德彪西亦受到《神奈川冲浪里》的启发，创作了交响诗《海》(LaMer)。
浮世绘，也就是日本的风俗画，版画。它是日本江户时代（1603～1867年间，也叫德川幕府时代）兴起的一种独特的民族艺术，是典型的花街柳巷艺术。主要描绘人们日常生活、风景和演剧。浮世绘常被认为专指彩色印刷的木版画（日语称为锦绘），但事实上也有手绘的作品。
凡高是19世纪80年代开始接触浮世绘的。荷兰是欧洲各国中最早和日本进行商业贸易的国家，当时，日本已经替代中国成为对西方瓷器的主要出口国，大量的浮世绘被作为废纸用来在运输过程中包装和填充瓷器，使得浮世绘得以漂洋过海传入西方。并且，荷兰商馆还有不少人专门收集和传播浮世绘。1883年，凡高曾在从海牙寄给好友拉帕德的信件中，反复提及法国画家雷加梅制作的一幅日本版画，并感慨道“多么美丽的日本图案！”
1885年，凡高搬到比利时安特卫普，在这里他第一次购买了日本版画，并把它们钉在自己房间的墙上。他曾在1885年11月28日写给弟弟提奥的信中提到这些充满异域风情的绘画，“我的工作室相当不错，主要是因为我在墙上钉了一套日本版画，我觉得很有趣。你知道的，就是那些绘有花园或海岸上小女孩、骑士、花和荆棘的作品。”
此外，凡高还画了五幅肖像作品，并将浮世绘作为画中画呈现其中，它们分别是：两幅《唐吉老爹》、《包扎着耳朵的自画像》、《铃鼓咖啡屋的女人》和《有一张日本画的自画像》。其中《唐吉老爹》是凡高在巴黎受日本浮世绘影响后创作的著名作品。
美国印象主义美术大师惠斯勒：《白衣少女》
1862年在伦敦举办的国际博览会，展出了东方艺术，它与先前在巴黎的“中国之窗”展出的日本葛饰北斋的彩色版画，给惠斯勒留下了深刻的印象，他从日本版画中找到所需要的艺术因素——强烈的对比和装饰性，同年他创作了这幅白衣少女像。在这幅肖像中描绘的是爱尔兰的一位少女乔，由于以白色为主调，围绕它展开极为细腻的色调变化，所以题名《第一白色交响乐》。惠斯勒试图在色彩上加强形象的音乐感受力，因而，他广泛采用音乐术语，诸如交响乐、变奏曲等。
1862年英国皇家艺术协会拒绝展出这幅白衣少女，1863年法国沙龙也给予它同样的厄运。惠斯勒只好把这幅画送到落选沙龙展出。这幅画受到印象派画家毕沙罗、德加和莫奈的赞扬，说是展厅里最重要的作品，同时受到攻击，说它“不寻常的丑陋”。左拉也出面为这幅画辩护，但无济于事，从此惠斯勒与评论界结了怨仇。
这幅画受贬不在于作品中的人物而在于反传统的画法。
当第1号白衣少女在1863年画展被拒绝后，惠斯勒又创作了这幅第2号白衣少女。 在这幅画中画家将委拉斯开兹的厚重写实手法与葛饰北斋的明快的装饰性巧妙地结合在一起了，少女手中拿的扇子更明显地标志着日本浮士绘的影响。 在东方艺术的影响下，惠斯勒的艺术不再把注意力集中在库尔贝的现实主义上，而转向于探索那种更容易激发起观众感情的色调关系上，画中的主题已退居次要地位，代替它的是色彩和线条，并把绘画与音乐结合起来。
1865年惠斯勒又创作了第3号白衣少女，在这幅画上描绘两位女子，环境有东方式的花草点缀。艺术批评界的权威哈默顿尖刻地指出，这第3号《白色交响曲》上“那个头发微红的姑娘，身着**裙衫，怎么会成为一首白色的交响曲呢？惠斯勒反唇相讥说：“天哪！难道这位聪明人指望一幅白发粉脸的画吗？根据他的可笑理论，他大概相信一首F调交响曲就没有别的音，只有FFF的不断重复？笨蛋！”
不是莫奈的原画，笔法和用色差的太远了。
这画叫做《日本桥》 也叫《睡莲池与日本桥》
莫奈的最大乐趣就是梦寐以求的“水上花园”，既为了“赏心悦目”，也为了“给绘画提供素材”。工程进行起来很困难，因为必须得到当局同意，将流经他房子旁边的诺曼底的艾泊特河的一条支流改道数百米。这个1893年建成的，成不规则椭圆形的“水和倒影的花园”和日本版画中的花园很相似。这些日本版画挂满了他餐厅的墙壁。日文画题的意思翻译过来似乎应该是“飘浮世界的映象”。
一座漆成绿色的日本式的拱形木桥跨越池塘；水菖蒲、百子莲、杜鹃花科的观赏植物和绣球花环绕并保护着池塘。水面上漂浮着粉红色的睡莲。柳树和紫藤直泻水面，使水的色调变得更深更蓝。直到1895年，莫奈才画了第一张池塘和日本桥的花。从1898年起，他又画了些同一题材不同版本的方形画，其中10来幅曾在杜朗－卢埃尔画廊举办的他的新作展中展出。
1901年，莫奈在他的池塘的延伸处又购置了一块地，池塘面积因此扩大了三倍。周围更精致，更具装饰性地种了竹子和日本樱桃树……他还安装了一个水泥槽，以便保护异国情调的睡莲不受水温过热的伤害。1903年至1909年，以睡莲池塘为题材的画重新出现。但是，如果人们在最初的画中还能分辨前景，延伸和周围景致的话，那么，在1904年后，漂浮在水面上的华丽睡莲则开始占据整个画面。
小梵高七大句成是，第一节 凡高的艺术风格 （一）早期 （二）中期 （三）后期 第二节 促使凡高艺术风格形成的因素 （一）地域（环境因素） （二）凡高独到的艺术见解 （三）凡高的人生经历,第一节 凡高的艺术风格 凡高艺术风格大概可分为三个时期： （一）早期 从开始学画至未到巴黎之前。这个时期画面比较黑暗，滞气，沉闷。主要受到荷兰传统绘画的影响。代表作吃土豆的人织布工人 吃土豆的人1885年4月完成。在这幅画里凡高想用绘画来表达这样的一种思想：“在这些灯光下吃土豆的人，就是用伸进盘子的同一双手去锄地，它叙述的是体力劳动，表明他们是诚实地挣到他们的食物的人”凡高为了完成这幅画，画了50多幅各种头像和半身姿势的习作。完成后不久，凡高写下这么一段话“这是表现主义的诞生”。,吃土豆的人,（二）中期 凡高到达巴黎，在巴黎习画期间（1886年12月至1888年去阿尔之前） 在巴黎习画期间，正是印象主义发展的鼎盛时期。凡高结识了一些印象派大师级人物：莫奈、毕沙罗、德加、西涅克等。受到印象派的影响梵高的画面开始变得明亮。凡高接受了西涅克的信念，开始用小点子画一些风景画。在巴黎凡高见到了很多的日本版画，开始用油画颜料临摹日本浮世绘作品。这个时期代表作有阿斯尼尔的花园,阿斯尼尔花园,（三）后期 凡高到达阿尔后，画面非常明亮。颜色不是为了要达到局部的真实，而是要启示某种激情。用色生涩、干燥、挑衅，一笔笔不充分调和的颜色厚厚地叠加在画面上，在对立中求得和谐。翻滚的笔触融合了东方线条的表现力，也发挥出西方油画色彩的感染力。代表作向日葵,向日葵,日本版画对凡高后期艺术风格影响很大，凡高对日本版画的描述“他们以流畅的不多的几笔笔触画人物”“色彩都是那样的鲜艳夺目，你一定会产生一种绘画革命的思想”。日本浮世绘的简朴风格平涂色彩的手法。对凡高这时期艺术风格影响也很大。后来凡高到达阿尔后就以臆想中的日本，作为自己的“绘画革命”之地。,一地域（环境）因素促使凡高艺术风格的形成 绘画不是一个孤立的文化现象，一个有成就的画家或有影响的画派的出现都与其所处的地域（环境）因素密不可分；同时，他的题材、他的思想，总是反映着不同的自然环境、人种民族、社会生活、风土人情；也或曲折或直接地反映了画家的思想和情感。,第二节 促使凡高艺术风格形成的原因,在凡高未到巴黎之前，其作品比较滞气，沉闷，没有鲜亮的感觉，不能给人以强烈的刺激；但是，到了阳光璀璨的巴黎以及南国的阿尔后，他的画变得异常明亮，鲜活起来。这时期，凡高喜欢运用纯色点画的绘画技术，他用一道一道的笔触，不仅使色彩化整为零，而且传达了他自己的激情。这样的画法，在他之前还没有任何艺术家曾经那样始终如一，那样卓有成效地使用这种手段。另外，在这一时期，凡高的作品中那些大胆、粗放的笔法帮助凡高传达了他振奋的心情。,二凡高独到的艺术见解促使自己艺术风格的形成 凡高16岁开始进入古皮尔公司工作到23岁离开古皮尔公司。分别在海牙，伦敦，巴黎工作过。见过各种风格的艺术作品。 1凡高语录： “我热爱生活，只要我牢固地抓住了生活。我的作品就会得到人们的喜爱” “在我的理解中，艺术家就是要努力的奋斗，不断地探索我已经发现了它，了解了它所谓艺术家就是即使我不断的遭受挫折，也不要灰心也要正视人生我相信我会有出头的那一天。,2凡高认为： 被描写的对象仅仅是艺术创作的一种媒介。不要简单停留在事物的外表，艺术创作要融入自己对生活的理解，生活的情感。所以梵高追求的是用色彩的独特效果来表现出自己内心的世界观。,**背景中得鸢尾花,三凡高的人生经历促使自己艺术风格的形成 他当过店员、临时代教员、传教士，也漂泊为流浪汉，生活在社会的最底层。一生充满着失衡。痛苦，孤独，悲剧。,凡高年表 1853年 3月30日出生于荷兰布拉邦特的尊德特 1869年 十六岁 7月进入海牙古皮尔分公司 1873年 二十岁 5月调到伦敦古皮尔分公司 1875年 二十二岁 5月调到巴黎古皮尔总公司 1876年 二十三岁 4月离开古皮尔总公司，转至英国，先后在拉姆斯盖特、艾尔沃斯任教,1877年 二十四岁 14月在多德列希特一家书店做店员。5月，到阿姆斯特丹， 为进入神学院而补习。 1878年 二十五岁 7月中断补习。8月在布鲁塞尔一家教会学校培训。12月赴波里纳日做见习助理。 1879年 二十六岁 17月在波里纳日传教。7月，被学校解聘。 1880年 二十七岁 决定以绘画为业。赴布鲁塞尔习画 1881年 二十八岁 12月赴海牙，跟毛威学画 1882年 二十九岁 在海牙习画 1883年 三十岁 19在海牙习画。9月12月在德仑塞习画。12月回纽南父母家 1884年 三十一 在纽南习画,1885年 三十二岁 1月11月在纽南习画 11月赴安特卫普 1886年 三十三岁 2月赴巴黎 1887年 三十四岁 在巴黎学画 1888年 三十五 1月2月在巴黎习画 2月赴阿尔画画，12月发生精神病。 1889年 三十六岁 1月5月 在阿尔画画，期间多次发病 5月住进圣雷米精神病院。 1890年 三十七岁 1月5月在圣雷米画画。5月赴奥弗画画。7月29日自杀身亡,麦田上的乌鸦 此画是凡高最后的作品。梵高对他的重要作品一向都要在书信中进行描述。可是 这幅作品却无半句述及。 凡高语录： “灿烂到极致不是黯淡就是死亡” “这一生不过是播种时期，收获是要在下一次人生作的”,参考文献： 1 凡高自传亲爱的提奥 荷文森特凡高著 2 拜师康斯太勃尔。
奈良美智版画的版数一般在50上下浮动
比如《无题》版数：32/50《女孩与气球》版数_38/50《Tell Me》版数：21/25《在款冬叶上前进》（Marching on a Butterbur Leaf）版数：1000版《南瓜》版数：13/15版数_34/75
伯格曼说道，“理论上，越小的版数作品越能挣钱。”
版画的版数指一幅画印了多少张 比如 1/10 就是总共10张的第一张。
奈良美智是日本现今著名的现代艺术家[1]，其作品包括漫画及动画，曾在欧美日的美术馆展出，深受欢迎。笔下的招牌便是头大大的小孩、洁白驯良的狗、以及身着绵羊装的儿童，非常可爱。笔下的人物，脸上那对眼尾上吊、不怀好意的双眼其实才是他作品的特色，那种眼中流露出不友善的神情，同时又身处在寂寥、淡漠背景中的画作主角们，不禁让人由怜生爱。
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